クープラン「諸国の人々」

ルセの新譜があまりにも見事にこの作品のポテンシャルを引き出していたので備忘録。



 (Amazon)

「トリオ編成の合奏によるソナードと組曲」
タイトルページ冒頭にして、各パート譜のタイトルです。
よくある誤解は、この「組曲」を「オルドル」と混同したものです。まったく違います。
クープランがなぜ「オルドル」と称しだしたかというのは、
当時の「組曲」の概念からあまりにも逸脱しているので、
新たな秩序に基づく新時代の組曲であることを強調するためで、
そのクープランが「組曲」と明示しているのは当然明確な意思によります。

なぜこの点が見落とされがちなのかというと、
音盤などにも原因があるでしょう。
CDのトラックリストで明確にソナードと組曲を区別したルセはさすがで、
この2つを一連のものとした従来の表記には問題があったのです。
出版譜を参照しながら鑑賞することは今日では容易ですが、
一昔前にこんなことをされていては誤解が普遍化するのも仕方ありません。
ささいなようですが、この点は非常に重要です。

「組曲」と明示するからには徹底的に。
18世紀初頭には化石の感さえある、古色蒼然とした
タイプの異なる2つのクーラントを含む、舞踏組曲。

いや、クラヴサン曲集第2巻にはあの第8オルドルがあるじゃないか、というのは当然の疑問で、
私も長年誤認していたのですが、モロニーによる慎重な資料調査に基づく最新研究は、
第1巻と第2巻に関しては作曲順ではない、ということを明らかにしていまして、
擬古典的に作曲されたものとばかり思っていた件の第8オルドルは、
純粋に作曲年代からして古いものだった、というだけのことでした。
つまり、「諸国の人々」における「組曲」は意図的に擬古典的な構造であるということです。

１．ソナードに関して

初期稿には従来知られていたパリ手稿譜（F-Pn Vm7 1156）、
リヨン手稿譜（F-LYm Mus. 129.949）、
そして最近再発見されたドレスデン手稿譜（D-Ds, Mus. 2162-Q-2）
の3つがソースとして現存し、表記順に新しくなっていきます。
従来「神聖ローマ帝国の人々」のソナードは書き下ろしと考えられていたのは、
ドレスデン手稿譜にのみ初期稿が含まれることに起因します。

La Convalescente. | Sonnade del S. Couprin.
(ピゼンデル筆写：c.1715)

電子化されています(最近のようです)。
スコア
http://digital.slub-dresden.de/werkansicht/dlf/16141/1/
パート譜
http://digital.slub-dresden.de/werkansicht/dlf/10501/1/

この初期稿は楽章順から異なっていて(発見の遅れた一因？)、
また、ピゼンデルのパリ滞在中の作品ということはかなり新しいです。
それはこのソナードがかなり当世風なことと当然無関係ではありません。
書き下ろしと考えられていただけあって、コレッリ風な「歩くバス」を筆頭に、
線的書法部分の相対的な減少とあわせ、出版当時の趣味に近いです。

２．組曲に関して

「ビエモンテ人」を除き、シャコンヌまたはパッサカーユを含むことも
17世紀様式に忠実です。
「フランス人」のみ、ロンドーを含まない、さらに古い様式です。
「スペイン人」のパッサカーユは最終楽章であることは、少々古めかしい印象を与えます。

３．ソナードと組曲について

1と2で観たことを念頭に、全体の構造としてこの2つの関連性を。

古い舞踏組曲である「フランス人」のソナードは厳格な線的書法が支配的でありつつ、
エールを配することにより新様式部分がより際立つ構成です。
組曲における「シャコンヌあるいはパッサカーユ」のあとに軽い舞曲を配し、
緊張を和らげる手法は17世紀後半に一般化したもので、
その好例が前述第8オルドルです。
ソナードも組曲も、伝統を重んじつつ、当世風を織り込むまさにフランス趣味。

一方、パッサカーユが最終楽章である「スペイン人」のソナードは全体を象徴します。
最終部分である「Vivement et marqué」は、固執低音に基づきますが、
これはブクステフーデのPraeludium(BuxWV148)の終結部同様、
2拍子によるシャコンヌと認識してよいと思われます。
少なくとも、ソナードにおいても最終部分が固執低音であることは意図的な配置でしょう。

ソナードが最も当世風な「神聖ローマ帝国の人々」においては、舞曲の書法も当世風です。
「フランス人」における、リュート黄金時代の伝統書法と比較すると明確になります。
柔軟に当世風であることができるのは、固執すべき伝統のしがらみの薄さとも無縁ではなく、
ドイツ語圏におけるかれらの自国趣味の確立に向けた努力そのものと親和性があります。

「ビエモンテ人」にはシャコンヌもパッサカーユも含まれない組曲で、
舞踏よりは歌謡の国、イタリアにはふさわしいでしょう。
ソナードはそれを裏付けるかのように、2つのエールが含まれ、
ソナード全体の長さから見ると旋律重視の書法がより強いものです。

４．趣味の和

３で述べたとおり、ソナードと組曲は相互に密接に関連するよう、慎重に配されており、
この2つが完全にバラバラにならないように留意されています。
そういう意味においては、組曲部分をオルドルと認識するかのような
4つのソナードと組曲(オルドル)というのは誤認ですが、
「4つのソナードと組曲、または4つのオルドル」という認識はし得るかもしれません。

ここに到って気が付いたのですが、フランス様式の組曲に、
前奏曲ではなくソナードを配した極めて前衛的なオルドルというありかたは、
ナポリ派セリアでありながら好んでフランス風序曲を配したヘンデルの裏返しではないですか！
ヘンデルのオペラの伝統と当世風の自在な混在、というありかたとも。

クープランが「諸国の人々」で見せている様式の融合というのは
地域的なものにとどまらないのです。
3でのべたとおり、内部においては新様式と、程度の違う古さの各種伝統書法も包括します。
バッハがクラヴィーア練習曲集において行うことになる総決算的な試みは、
18世紀初頭において、クープランも試みていた、ということになると思います。

クープランというのは、その偉大さを言語化しにくい作曲家です。
バッハやラモー、ヘンデルあるいはモンテヴェルディ、みな明確に新様式を創造しましたが、
クープランにおいてはその認識がしにくいのです。
ただ、今回優れた演奏によって最大限にポテンシャルが引き出された「諸国の人々」、
ここにはクープランの「明確な新様式」が認識し得ると思います。
問題は、バロック時代の各種様式を、今日的視点を完全に排して把握できるかどうか、
ということになるのだと思いますが、日本にはびこる印象批評では啓蒙は厳しいでしょう。

そういう意味においては、資料考察はしっかりしていて、しかしそれを語ることを好まず、
演奏において全てを提示するルセの力量はそれこそ一言では表し得ないです。
今回も、すばらしい演奏を堪能させてもらいました。
あまりの濃密さに圧倒されましたよ、誇張無しで。

ヘンデルのカンタータにおけるピッチの問題

Brilliant Classics レーベルにおいて、Contrasto Armonico演奏による、
通奏低音のみの伴奏のカンタータを含めた
「完全なカンタータ全集」が始動しています。
すでに第4集までリリースされ、お耳にされた方も多いと思います。

・Vol.1　(Amazon) (HMV)
・Vol.2　(Amazon) (HMV)
・Vol.3　(Amazon) (HMV)
・Vol.4  (Amazon) (HMV)



さて、この全集、2つの点で大きな意義があります。

1.上述のとおり、通奏低音のみの伴奏のカンタータも全て含むこと
2.異なるピッチの共存による演奏であること、
また、第4集まではローマピッチ(392Hz)ですが、
今後は作曲場所、初演場所などを考慮してピッチも配慮するとのこと

1はとりあえずそれ以上付け加えることはないのですが、
通奏低音のみのカンタータの録音はあまりにも少なく、
イコール「あまりおもしろくない」と変な先入観がありました。
しかし、とんでもないことです。
第1集には通奏低音のみの伴奏のカンタータが
3曲入っていますが、とても魅力的な作品です。

そして重要なのは2の方なのですが、
当時ローマでのピッチは、上述のとおり
392Hzと、ヴェルサイユなみに低いピッチでした。
そしてややこしい事情もあります。
当時ローマの教会は管楽器を禁じていたため、
ローマ独自の管楽器奏者・製作者はいなかったそうなのです。
貴族が自分たちの楽しみのための
セレナータやカンタータなどで管楽器入りの作品を演奏するとき、
ヴェネツィア出身の奏者を雇っていたそうなのですが、
ヴェネツィアのピッチは皆さんご存知のとおり
通常のピッチより高い440 Hzでした。

つまり、管楽器が入るローマの作品においては、
バッハの教会カンタータにおける
コアトーンとカンマートーンの共存のような問題が発生していたわけです。
驚くべきことに、この問題は今まで提起されたことはなかったのです。
このあたりがバッハ研究とヘンデル研究の人数の差なのでしょうかね…。

というわけで、この第1集においては、弦楽器および歌手はローマピッチ、
管楽器はヴェネツィアピッチで演奏されています。
具体的に言うと1音の差があることになります。

さて、これがどのように影響してくるかが問題です。
でないと単なる学者の自己満足です。
この共存を当てはめた演奏は
第1集では「Da quel giorno fatale (Delirio Amoroso)」にて聴けます。
まず、Introduzioneでさっそく影響が出ます。
現代譜においては嬰へ音のロングトーンがオーボエにあるのですが、
容易に想像がつくとおり、バロックオーボエでは
この音は朗々となる音ではありません。
しかし、上述のようなピッチ共存で演奏すると
なんのことはないホ音のロングトーンになります。

ヘンデルはイギリスでオペラを書くときには、
キャストの得意な音域を把握し、
特に輝かしく歌える音を主音または属音にしたアリアを
見せ場に持ってくるよう配慮する、
極めて演奏効果には慎重な人でした。
とすると、このピッチ共存は極めて歴史的に忠実であるだけでなく、
説得力があります。

Brilliant Classics という廉価レーベル故、
忌避している方も大勢いらっしゃるかと思いますが、
演奏はとてもしっかりしています。
将来的にはBOXになるのでしょうが、
1枚1枚追っていく価値のある全集だと思います。

あと付け加えますと、Brilliant Classics は困ったことに
しばしば歌詞は原語のみ記載という
私のような語学音痴泣かせなことをするのですが、
この全集にはしっかり伊英対訳が付いています。
その点でもご安心ください。

楽器に「進化」はありえるのか？

このブログを立ち上げて何か月か経ちます。
いくつか記事をお読みくださった方なら気づかれていると思いますが、
私はピリオド楽器系の演奏が好きです。
でも現代音楽も好きなのですね、不思議に思われるかもしれませんが。
古楽と現代音楽というのは相当に親和性が高いというのが持論ですが、
今回はそれが主眼ではないので、
またいつかそれについては書きたいと思います。

さて、楽器です。
楽器に「進化」というものがあるのか、と問われれば、
私は完全に否定します。
「変化」があるのは当然としても、それが良い方向に
変化しているとばかりは言えないと思うのです。

古琴や筝の話をしましたが、絹糸を使用しなくなったのは、
まあ率直に言って現代はうるさすぎるからだと思うのです。
音色を犠牲にしても音量を強化せざるを得なかった。
これは完全に二者択一であって、音量強化がなされたからといって
「改良」と言えないのは音色の犠牲があまりに大きいからです。

これは西洋でも同じだと思います。
たとえばクラヴィコード。これは古琴と非常に近い。
演奏者自身か、楽器のすぐそばの人間にしか音は聞こえません。
ですが、繊細な音色と、音色変化が可能です。
よくクラヴィコードの特色としてヴィブラート(ベーブング)がかけられることを
挙げられますが、あくまでベーブングの本質は
音色変化奏法の応用の一つであって、
モダン楽器的なヴィブラートがかけられるから優れている、というのは
まったくの的外れということは忘れてはならないでしょう。

クラヴィコードやチェンバロとピアノはですから全く別の楽器であり、
チェンバロがピアノの先祖であるかのようなことを言う方もいますが、
これもまったく事実とは異なります。
現代では発音方法が両者でまったく異なることは
よく知られてきていますからこれは改善されてきていますが。

問題は様々な年代のフォルテピアノ 、これとモダンピアノの関係です。
結論から言いますと、これも別の楽器と考えた方がいいのです。
古琴や筝が絹糸を放棄したのと似ていると思います。
音色と音量の二者択一で、やむなくモダンピアノに変貌していったのでは。

リストは演奏会で、全く同じ状態のピアノを三台用意していたそうです。
リストの演奏に当時のピアノの張力では耐えられなく、
調律が狂ってしまうので、こういう準備をしていたそうです。

地歌の演奏会の様子をごらんになった方、ピンときたはずです。
現在のところ絹糸をまだ使用している三味線は、絃が切れやすいので、
替え三味線といって、三味線奏者の後ろに
絃が切れた時の替えの三味線を置くことがあります。
名人上手になってきますと、一番太い絃が切れた場合を除き、
ポジション移動だけで弾ききってしまうこともありますが…。
まあ、普通の発表会レベルですと替え三味線を用意するのが普通です。

リストの時代はまだ原始的なピアノしかなかったから、
これは仕方なかったのだろう、と言われるかもしれないですが、
どうでしょうね、これは簡単に結論は出せません。

ベートーヴェンのピアノ作品が、当時激変を繰り返していた
ピアノの変化を作品に組み入れていたように、
また、クレメンティ社製ピアノの販促の一環でもあった
クレメンティのピアノ作品も積極的に新しいピアノの奏法を
取り入れて宣伝も兼ねていたように、
この二人の活動時期ほどの激変はなかったとはいえ、
代わりにリストは長命でした。楽器の変化は当然作品に反映させました。
しかし、進化論では語れない問題もあるのです。

「超絶技巧練習曲集」には3つの稿があります。
このうち一番実際の演奏が困難なのはどれだと思われますか？
「楽器進化論」がそのまま適用できるなら、第3稿のはずですよね？
ですが、実際には第2稿なんですよ！

このことは、実は2つ稿のあるパガニーニ練習曲集にもあてはまります。
最初の稿の方がはるかにムチャクチャな技巧を要求されます。
リストはあえて技巧的には簡易化をして(それでも十分難しいですが)、
最終稿としたわけです。最新のピアノの技術を
盲信していなかったのではないでしょうか。

おそらく、リストならば、音量の問題は自身の力量で解決でき、
ならば音色に優れた楽器を、という選択をしたのかもしれません。

フルートをはじめ木管楽器も、金管楽器も、
ヴァイオリンをはじめ弦楽器も、
すべて「改良」は音量面と、半音階対応に関してです。
音色は常に犠牲にされてきました。
現代の演奏会場ではもはや音色を対価にして
音量が出るように、また複雑な半音階進行に対応するよう
「進化」させた楽器を使用するしかないのですが、
これは音楽を演奏する道具である、「楽器」の正しい「進化」の
結果なのかと問われると、冒頭のように私は否定的見解です。

S.クイケンは私よりよほどわが師に忠実だ

S.クイケン指揮のバッハ：ヨハネ受難曲の再録音を聴きました。




バッハ：ヨハネ受難曲　クイケン＆ラ・プティット・バンド(２ＳＡＣＤ)
(Amazon)　(HMV)

旧録音との違いは、最近のクイケンの一連の録音と同じく、
OVPP(合唱部も1パート一人で歌う)によるものということです。

クイケンはこれまでバッハの宗教作品をOVPPで録音し、また継続中です。
Challenge Classics にはこれまでに



モテット集　(Amazon)　(HMV)



ロ短調ミサ　(Amazon)　(HMV)



マタイ受難曲　(Amazon)　(HMV)


と、録音しており、また、Accent にはカンタータを同じくOVPPで
全20枚予定で録音継続中です。

正直、リフキンなどのOVPPの演奏を聴いたときには、
「なるほど、こういう学説もあるのだな」という
学説の実証くらいにしか思えなかったのですが、
クイケンとLPB(ラ・プティット・バンド)の最近の一連の録音は、
しっかりと演奏するヴィジョンがあって、その手段として
OVPPを用いていることがはっきりわかります。
学究的というよりは、すばらしい音楽ということがまずあるわけです。

唐突ですが、わたしの尺八の師匠には、よく同じ注意をされます。
「大きな音を出すことは大事だが、コントラストが出せないようでは無意味」と。
弱音があってこそ強い音も活きるし、逆もまたしかりなのです。
このことをクイケンとLPBのOVPP演奏を聴くと思い起こすのです。

特に、ヨハネ受難曲は合唱の担う役割が大きく、
果たして満足感が得られるのか、実際に聴いてみるまで
少し心配な部分もありました。
それは杞憂でした。
静かな祈りと劇的高揚が十分に表現されています。
少人数ゆえの精度の高さもあります。
なぜこんなことが可能なのでしょうか？

その答えは、先ほどのわたしの尺八の師匠の言葉にあるわけです。
もともと、バロック音楽はコントラストの音楽で、
漸強、漸弱といった要素はないわけです。
あるとしても長く伸ばす音のメッサ・ディ・ヴォーチェくらいでしょう。
このコンビのOVPPによるバッハ演奏は、基本が静謐な祈りなのです。
ですから、声を張り上げて絶叫しなくても
相対的に強音が対比されるわけなんですね。

なんということでしょう。
私の尺八の師匠の注意をよく守っているのは、
クイケンのほうではありませんか。
合唱の役割の大きいヨハネ受難曲を聴いて、
師匠の言葉の意味がわかった気がします。
絶叫は必要ないのです。
必要なのはむしろ静謐な祈りを純度を高く表現することなのです。

フォーゲルのブクステフーデ：オルガン作品全集

ブクステフーデのオルガン作品には決定盤がなかなかない、
という声をときどき耳にしますが、私はこれが文句なしの
決定盤だと思うものがあります。
ハラルド・フォーゲルによる全集です。

ブクステフーデ：オルガン作品全集： ハラルド・フォーゲル(Org.)

(Amazon) (HMV)


かつて非常にゆったりとすすめられた全集のBOX化。

フォーゲルは、録音は非常に遅いですが、演奏は
いつも非常によいのです。この全集の完成が
遅れに遅れた理由を、最後の第７集で、
ハンブルクの聖ヤコビ教会のシュニットガーオルガン
の修復完了を待っていたからだと述べていました。

全集を通じて、各地の歴史的オルガンを
使い分けているのも聴き所。
いくつかの作品では元調と移調で2回収録されていますが、
これはミーントーンのオルガンでは移調して演奏しているためです。

個々の作品の演奏を詳しく述べることはできませんが、
一例としてト短調のPraeludium(BuxWV148)を挙げてみます。
3曲あるト短調のPraeludiumのなかでもとりわけ
壮麗な作品ですが、フォーゲルの各部分の性格付けが
とりわけ見事な例でもあります。
propositioでの見事なStylus phantasticus の
飛翔感、続く最初のconfutatio での特徴的な同一音反復の
美しい均整の取れたリズム、そしてなにより、
conclusio での荘厳なオスティナート。
この2拍子によるシャコンヌはとりわけ低音が
魅力的な音色で、聖ヤコビ教会のシュニットガーオルガンの
修復を待っていた、というのは
あながち言い訳でもないな、と当時思ったものです。

この曲以外でも、総じてフォーゲルのストップ選択は
コロコロ変化をさせたりするものではなく、
歴史的奏法にそったもので、なおかつ、
その選択自体が聴きものといってよいと思います。
ストップ選択の趣味のよさはフォーゲルの
美点のひとつだと思うのです。
同じくブクステフーデの全集を出したフォクルールは、
ストップ選択に関しての助言をフォーゲルから得たことを、
ブックレットでスペシャルサンクス的に明記していたくらいです。


2007年はブクステフーデ没後300年ということで
さまざまなディスクが出たり企画されましたが、
こうした名盤がBOX化されたというのも、
こうした記念イヤーの恩恵でしょう。
多角的にブクステフーデのオルガン作品を
堪能できるBOXで、他の演奏を持っていても
買って後悔しないと思います。

人はどこまでも贅沢である(ヘンデルの場合)

ヘンデルのクラヴサン作品(イギリスに帰化したからハープシコード作品かな)、
いろいろ聴いてきたのですが、ソフィー・イェーツによる、1720年及び1733年曲集の
全曲(3枚分売)が今のところベストかな、と思います。

あと、引退して僧侶になったポール・ニコルソンの演奏もなかなか良いです。


ボーモンの2枚も良いですけれど。

まあ、相当高評価の演奏ではあるのですが、分売とか曲順とかで買いそびれていまして。
知っている方には、何を今さら、なんでしょうね。お恥ずかしい。
確かに遊び心も忘れない良い演奏でした。装飾の趣味が良いんですよ。

いやしかし、ほんと数だけはあるんですけどね、いろいろ。
レオンハルト御大はヘンデルはプリミティヴすぎるから弾かない、
とおっしゃって結局録音しないまま他界されたし、
ほとんどの録音は1720年曲集だけだったり、
唯一の全集は演奏が話にならないものだったり、
なにか呪われてるのか、っていう感じさえします。
ソフィー・イェーツのヘンデルは全集になる、
というような情報もあったような気がするのですが、
それは出版された組曲の全集、という意味だったのかな？もったいない気がします。

ヘンデルはもう昔から偏愛していて、最近はオペラやオラトリオの
同曲異演が楽しめるなど、昔からは考えられない贅沢な状況ですが、
唯一の穴、クラヴサン作品、これをなんとか早く埋めて欲しいなと思います。
人はどこまでも贅沢であるのです。