ワーグナー「オランダ人」の様式的違和感

私は難しい台本が苦手で、ワーグナーはあまり聴かないのですが、
だからこそ歴史的録音はほとんど聴いていないため、
迷わず購入したのがこれ。

バイロイトの遺産～ワーグナーの幻想

 

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まず思ったのは、オケの精度という点では、
確かに現代のオケのほうが優秀かもしれない。
だけど、なんというか、映画音楽を聴いているような気がするんです。
メトの「指輪」の最新映像など、舞台の豪華絢爛さもありますが、
なにかハリウッド映画を見ている気分になります。

別に本場が一番というわけではないですが、
上記のBOXに含まれる歴史的演奏は、
メカニックの精度を語るのは何か違う気がしました。
それに、歌手は断然現代よりいいですね。
これはロッシーニなどと正反対のことなので興味深いです。

ところで、以前からどうも居心地のわるい作品があって、
それが「さまよえるオランダ人」なのです。
どうしても違和感がぬぐえない。
この素晴らしいBOXセットでもそれは変わりませんでした。

そんなとき、ピリオド楽器による、初稿による
「オランダ人」の演奏をみつけました。
ヴァイル指揮カペラ・コロニエンシスによるものです。



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ここで重要なのは、ピリオド楽器演奏ということよりも、
完全なる初稿を使用しているという点です。
詳しくはライナーノートに譲りますが、
ワーグナーは生涯にわたってこの作品を改訂し続け、
結果的に実用譜のもととなりえる稿を残さなかったのです。
これは「リエンツィ」も同様なのですが、
ワーグナー自身、ひいてはバイロイトで否定された過去である
「リエンツィ」と違い、オランダ人はバイロイトの演目にもなります
（「リエンツィ」をいくら否定しようと、原点であることには違いなく、
それを自覚しているからこそ余計に葬り去りたかったんでしょうが）。

そこで、出版に当たり、ワインガルトナーが一種の
架空の稿を仕立てたのです。
これはある程度仕方ないことだったとは思います。
なにしろこの作業はワーグナーの死後、1896年に行われたものですから。

ただし、当時としては「指輪」や「パルシファル」を皆が経験しており、
晩年のワーグナーの響きにあまりにもなじみすぎていたのでしょうね。
この初稿による演奏は、ある意味「リエンツィ」の影が見えるともいえます。
言い換えれば、グランド・オペラの要素が垣間見えます。

ワーグナーが生涯にわたって、10回以上の改訂をつづけたのも、
結局それが多かれ少なかれ影響しているように思います。
ただ、「リエンツィ」と決定的に違うのは、台本です。
「オランダ人」ではすでにワーグナーの世界が出来上がっています。
ただ、音楽は台本ほどには決定的にワーグナーではないと思いました。

つまり、ワインガルトナー版、つまり出版譜は、
あちこちの改訂を切り貼りし、ワーグナー自身でさえ
ついになしえなかった「体系的改訂」を
他人が無理やりやったものなんですね。
ああ、なるほど、と思いました。
どうも居心地わるい気分なのは、こういう背景があったわけですか。

たとえば、有名なゼンタのバラード 、
初稿ではイ短調(出版譜はト短調)ですが、
音を下げたのは、たぶん、ロッシーニあるいはマイアベーアの
グランド・オペラのソプラノではなく、
ドラマティック・ソプラノで映えるように、という配慮じゃないでしょうかね。
このバラード、いつ聴いても違和感を覚えていたのですが、
本来もっと軽やかな声質が前提だったように思います。
これを晩年のワーグナーの様式に無理なく溶け込ませるには、
本来なら全面的に書きかえなきゃだめでしょうね。

さて、「オランダ人」をどうあつかうか、ですが、
ワインガルトナー版ではやはり無理があると思います。
ワーグナー自身が不満であったとしても、統一感のある初稿を使うか、
様式的齟齬を承知の上でそれでもワインガルトナー版を使うか。

はじめに書いた通り、私は決してワグネリアンではありませんので、
生粋のワグネリアンの方はどうお考えなのか、興味のあるところです。

主観的好みと客観的評価

「これは名曲だから好きだ」とか、
「これは有名じゃないから嫌い」とか、
そういう人は少ないと思います。
昔はともかく、今は音盤が廉価になり、
自分の好みの作品をみつける、という楽しみがあります。

ただ、私は、自分自身の主観的な好みと
客観的な評価は自分の中でも区別しています。
たとえば、J.S.バッハの偉大さには全く異論ありませんが、
実際に聴く機会が多いのは、エマヌエル・バッハだったりします。
これはもう、自分の好みですからしかたないのですが、
親父さんの作品は、情報量が多すぎて、気楽に聴くことができないんです。
ある程度、「覚悟」をもって臨まないと、情報量に埋もれて
溺れ死ぬような感覚になってしまうんです。
エマヌエルの場合は、「びっくり箱」みたいな部分はあるにせよ、
いや、だからこそ無心に聴くことができるんです。
あくまで私の場合はそうだということで、
皆がそうではないことはきちんとわかっています。

さて、そんな自分の好みの作曲家の好みの作品、
たとえばこんなものがあります。

ライネッケ:管楽三重奏曲集

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ええ、わかっています。ライネッケが一流の
作曲家なんていうつもりは毛頭ありません。
しかし、少なくとも管楽器奏者にとって、
ライネッケという名前は特別なものではあります。
とくにフルート奏者でライネッケのフルートソナタや
協奏曲を吹かない人はいないでしょう。

ライネッケの一流になりきれない点というのは
メンデルスゾーンが彼に宛てた手紙にて鋭く指摘されています。

「第1楽章が非常に魅力的な曲が多いが、最後までそれを持続しなさい」

このCDの3作品は晩年のもののためか、
その弱点はかなり克服されていますが、
ライネッケ作品全体としての弱点は、
まさにメンデルスゾーンの言うとおりかと思います。

私とライネッケの出会いは小学生のころ、
とにかく短調の作品を片っ端から
エアチェック(FM放送の録音)していたころです。
そう、フルートソナタホ短調「ウンディーネ」。
そんな有名曲と知る由も無く、
そうした無差別録音の網にかかった作品で、
私はライネッケという名前を忘れることが出来なくなりました。

まあ、上述のとおり、有名か無名か、そんなこともわからず、
ただひたすらに無差別に聴いていたことはよかったと思います。
権威がなんと言おうと、自分の好きなものは好きなままでいられる、
そんな姿勢が養われました。

このCDの3作品は、いずれも
ライネッケの室内楽作品では重要な作品です。
古楽と現代音楽以外同曲異演は極力買わない私ですが、
これらの作品は目に付く限り買って来ました。
そして、やっと出会えた演奏であるといえます。
モダン楽器演奏ではおそらくこれ以上の演奏は望めないでしょう。

名曲が名曲たる所以は、作品と同等の集中力を要求することです。
私には、名曲ばかり毎日聴くだけの集中力はありません。
そうしたとき、こうした「よき二流作品」は私を元気にしてくれます。
いろいろな作品があるからこそ、幸せなのだと思います。

藝大邦楽科では何が起きているのか？

邦楽の教育の頂点は、藝大の邦楽科だということは間違いないでしょう。
ただ、いろいろ、変なところがあるように思います。

まず、地歌・筝曲。ピッチが442固定なんだそうですね。
いやまあ、箏と三絃だけの合奏ならそれでもいいんでしょうけど、
尺八が入っても442固定というのはどうなんですか？
精密機械のごとく変貌した西洋の現代の楽器でも、
たとえば中学・高校での吹奏楽部で、
季節、天候など関係なしにピッチ固定なんてやってるところはないでしょう？
すくなくともわたしの中学・高校時代は、
合奏練習するときは指揮者が季節、天候を考慮して
基準ピッチを指示するところから始まっていましたけど…。
まして、素朴な楽器である尺八が、季節、天候関係なく
どんなときでも442固定で合奏するって変な話ですね。

まあ、できなくはないんですよ。
冬や悪天候のときはカリぎみに、
夏や好天のときはメリぎみに、
全体を通して吹き続ければいいんですね。
でも、やっぱり私はおかしいように思います。
そもそも邦楽なら雅楽基準の430でしょう。
それならまだわかります。

あと、西洋和声の授業も必修らしいのですが、
はじめのころは邦楽科の生徒は2度の和音ばかりで
回答して、教授がいい加減にしろ、って怒ったら、
だってこっちのほうが奇麗ですよ、と、みんな真顔で答えた、
というエピソードもあり、教えるほうも、本当にこの人たちに
教えていいのか恐ろしくなったらしいですが、
たとえば、藝大出身の能管奏者・一噌幸政師は、
普通なら7度や7度半になる音程を、完全八度に補正して
吹くと、ちょっと話題になったらしいです。昔のことですが。
今は、プロの若手藝大出身笛奏者にきいたら、
「みんな音感わるいんですよ、能楽囃子はイ短調！」
(注：能楽囃子は基本的に黄鐘(A)基調です)
と断言してびっくりしたことがあります。

でも、かりに旋律がイ短調だったとして、
能楽囃子がイ短調というからには、
機能和声に基づいているということじゃないですか？
「音階」あるいは「旋法」だけの問題ではなくなってしまうと思うんです。

たとえば、地歌の「夕顔」の出だしを機能和声的に考えるとします。
主音がDの場合、BとEにフラットがつくのはどうしようもない違いですが。
あと、導音は常に長二度ですのでCに♯はつきません。
これらの臨時記号を念頭におくと、

D　D　B♭A　　A　A　　GE♭　D

I　 I 　　　V　 DIII6VI7　 II7V7 　 I

これが仮に西洋音楽だとするとこうなりますかね。
まあ、終止形が短二度下降が決まりなので無理やりです。
でも明らかにおかしいことは、邦楽をよく知らない方でもわかるはずです。
こんな伴奏がついたら、もう邦楽じゃないですよ。
ただ、上述のプロの藝大出身の若手奏者の「能楽囃子はイ短調説」が
正しいとすると、究極的にはほかの邦楽も機能和声に
支配されているということになる。

昔の和声の授業のエピソードとの比較で、
もしかして今の藝大では古典でもこんな教え方をしているんでしょうか？
だとしたら、現在致命的に古典を演奏できる奏者がいないことは
なるほどと、理解できます。

いいとか悪いとかはさておき、藝大を出た箏や尺八奏者は、
だいたい3か月ごとに新作の初演をやっていて、
とても古典にまで手が回らないそうです。
そうした新作は、西洋音楽の手法で作曲されていますから、
もしかして藝大では西洋和声を中心に教えているのではないかと
勘繰ってしまいます。冒頭のピッチの442固定といい、
いまどき中学校のブラスバンドでもやらないようなことが
まかり通っていることを知って、現状を知りたいなと思っています。