主観的好みと客観的評価

「これは名曲だから好きだ」とか、
「これは有名じゃないから嫌い」とか、
そういう人は少ないと思います。
昔はともかく、今は音盤が廉価になり、
自分の好みの作品をみつける、という楽しみがあります。

ただ、私は、自分自身の主観的な好みと
客観的な評価は自分の中でも区別しています。
たとえば、J.S.バッハの偉大さには全く異論ありませんが、
実際に聴く機会が多いのは、エマヌエル・バッハだったりします。
これはもう、自分の好みですからしかたないのですが、
親父さんの作品は、情報量が多すぎて、気楽に聴くことができないんです。
ある程度、「覚悟」をもって臨まないと、情報量に埋もれて
溺れ死ぬような感覚になってしまうんです。
エマヌエルの場合は、「びっくり箱」みたいな部分はあるにせよ、
いや、だからこそ無心に聴くことができるんです。
あくまで私の場合はそうだということで、
皆がそうではないことはきちんとわかっています。

さて、そんな自分の好みの作曲家の好みの作品、
たとえばこんなものがあります。

ライネッケ:管楽三重奏曲集

(Amazon) (HMV)

ええ、わかっています。ライネッケが一流の
作曲家なんていうつもりは毛頭ありません。
しかし、少なくとも管楽器奏者にとって、
ライネッケという名前は特別なものではあります。
とくにフルート奏者でライネッケのフルートソナタや
協奏曲を吹かない人はいないでしょう。

ライネッケの一流になりきれない点というのは
メンデルスゾーンが彼に宛てた手紙にて鋭く指摘されています。

「第1楽章が非常に魅力的な曲が多いが、最後までそれを持続しなさい」

このCDの3作品は晩年のもののためか、
その弱点はかなり克服されていますが、
ライネッケ作品全体としての弱点は、
まさにメンデルスゾーンの言うとおりかと思います。

私とライネッケの出会いは小学生のころ、
とにかく短調の作品を片っ端から
エアチェック(FM放送の録音)していたころです。
そう、フルートソナタホ短調「ウンディーネ」。
そんな有名曲と知る由も無く、
そうした無差別録音の網にかかった作品で、
私はライネッケという名前を忘れることが出来なくなりました。

まあ、上述のとおり、有名か無名か、そんなこともわからず、
ただひたすらに無差別に聴いていたことはよかったと思います。
権威がなんと言おうと、自分の好きなものは好きなままでいられる、
そんな姿勢が養われました。

このCDの3作品は、いずれも
ライネッケの室内楽作品では重要な作品です。
古楽と現代音楽以外同曲異演は極力買わない私ですが、
これらの作品は目に付く限り買って来ました。
そして、やっと出会えた演奏であるといえます。
モダン楽器演奏ではおそらくこれ以上の演奏は望めないでしょう。

名曲が名曲たる所以は、作品と同等の集中力を要求することです。
私には、名曲ばかり毎日聴くだけの集中力はありません。
そうしたとき、こうした「よき二流作品」は私を元気にしてくれます。
いろいろな作品があるからこそ、幸せなのだと思います。

藝大邦楽科では何が起きているのか？

邦楽の教育の頂点は、藝大の邦楽科だということは間違いないでしょう。
ただ、いろいろ、変なところがあるように思います。

まず、地歌・筝曲。ピッチが442固定なんだそうですね。
いやまあ、箏と三絃だけの合奏ならそれでもいいんでしょうけど、
尺八が入っても442固定というのはどうなんですか？
精密機械のごとく変貌した西洋の現代の楽器でも、
たとえば中学・高校での吹奏楽部で、
季節、天候など関係なしにピッチ固定なんてやってるところはないでしょう？
すくなくともわたしの中学・高校時代は、
合奏練習するときは指揮者が季節、天候を考慮して
基準ピッチを指示するところから始まっていましたけど…。
まして、素朴な楽器である尺八が、季節、天候関係なく
どんなときでも442固定で合奏するって変な話ですね。

まあ、できなくはないんですよ。
冬や悪天候のときはカリぎみに、
夏や好天のときはメリぎみに、
全体を通して吹き続ければいいんですね。
でも、やっぱり私はおかしいように思います。
そもそも邦楽なら雅楽基準の430でしょう。
それならまだわかります。

あと、西洋和声の授業も必修らしいのですが、
はじめのころは邦楽科の生徒は2度の和音ばかりで
回答して、教授がいい加減にしろ、って怒ったら、
だってこっちのほうが奇麗ですよ、と、みんな真顔で答えた、
というエピソードもあり、教えるほうも、本当にこの人たちに
教えていいのか恐ろしくなったらしいですが、
たとえば、藝大出身の能管奏者・一噌幸政師は、
普通なら7度や7度半になる音程を、完全八度に補正して
吹くと、ちょっと話題になったらしいです。昔のことですが。
今は、プロの若手藝大出身笛奏者にきいたら、
「みんな音感わるいんですよ、能楽囃子はイ短調！」
(注：能楽囃子は基本的に黄鐘(A)基調です)
と断言してびっくりしたことがあります。

でも、かりに旋律がイ短調だったとして、
能楽囃子がイ短調というからには、
機能和声に基づいているということじゃないですか？
「音階」あるいは「旋法」だけの問題ではなくなってしまうと思うんです。

たとえば、地歌の「夕顔」の出だしを機能和声的に考えるとします。
主音がDの場合、BとEにフラットがつくのはどうしようもない違いですが。
あと、導音は常に長二度ですのでCに♯はつきません。
これらの臨時記号を念頭におくと、

D　D　B♭A　　A　A　　GE♭　D

I　 I 　　　V　 DIII6VI7　 II7V7 　 I

これが仮に西洋音楽だとするとこうなりますかね。
まあ、終止形が短二度下降が決まりなので無理やりです。
でも明らかにおかしいことは、邦楽をよく知らない方でもわかるはずです。
こんな伴奏がついたら、もう邦楽じゃないですよ。
ただ、上述のプロの藝大出身の若手奏者の「能楽囃子はイ短調説」が
正しいとすると、究極的にはほかの邦楽も機能和声に
支配されているということになる。

昔の和声の授業のエピソードとの比較で、
もしかして今の藝大では古典でもこんな教え方をしているんでしょうか？
だとしたら、現在致命的に古典を演奏できる奏者がいないことは
なるほどと、理解できます。

いいとか悪いとかはさておき、藝大を出た箏や尺八奏者は、
だいたい3か月ごとに新作の初演をやっていて、
とても古典にまで手が回らないそうです。
そうした新作は、西洋音楽の手法で作曲されていますから、
もしかして藝大では西洋和声を中心に教えているのではないかと
勘繰ってしまいます。冒頭のピッチの442固定といい、
いまどき中学校のブラスバンドでもやらないようなことが
まかり通っていることを知って、現状を知りたいなと思っています。

ディーリアスあれこれ

今年はディーリアス生誕150周年ということで、
地味ながらいろいろとディスクも出ています。
名盤BOXを中心に概括してみます。

トマス・ビーチャム／イングリッシュ・ミュージック（６ＣＤ限定盤）



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これは実質的にディーリアス5枚組に
1枚のオマケがついているようなものです(笑)。

いうまでもなく、ビーチャムはディーリアスの
熱烈な擁護者で、録音が簡単でなかったこの時代に、
現代音楽をこれだけ大量に残すこと自体すごいことです。

このBOXのリマスタリングは非常によく、
モノラル期の録音の良さを感じさせてくれます。

私がディーリアスを真面目に聴き始めたのはつい最近で、
伝説的なビーチャム指揮のディーリアスがまとめて
入手できることができ、後発組のメリットが活かせました。

演奏の感想などは後述のまとめで。


ディーリアス生誕１５０年記念ボックス（１８ＣＤ限定盤）


(Amazon) (HMV)


これはさすがEMI、ディーリアス録音に賭けているなあ、と
圧倒されます。ビーチャム、バルビローリの大御所ふたりから、
メレディス・デービス、チャールズ・グローブスなど、
ディーリアス演奏史がそのままBOXになった感じです。

歌詞がないのが残念なのですが
(EMIの廉価オペラシリーズでは、歌詞対訳をCD-ROMで付属しているので
同じEMIの廉価盤ということでなおさら惜しい)、
3つのオペラをはじめ、「人生のミサ」「レクイエム」をはじめ、
管弦楽と声楽の大規模作品が一望できます。
本当に、歌詞がついていれば…。

私は最初にディーリアスを聴いたのは、ここにある数々の演奏なので、
個人的思い入れがあるため、客観的判断ができるかわかりませんが、
いきなりこれだけの集成を入手できるというのはすごい時代です。

ディーリアス・エディション　マッケラス＆ウェールズ・ナショナル・オペラ管、他（８ＣＤ）


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対して、イギリスのもうひとつの雄、DeccaのBOXです。
これは惜しくも亡くなったマッケラスを中心にしています。
マッケラスは、ほかのオペラの録音の構想も持っていたらしく、
働き盛りでの急逝は惜しまれてなりません。

演奏の感想は後述のまとめで。

Delius Collection(7CD)

(Amazon) (HMV)

そして、これはある意味目玉です。
画像がまだ登録されていないのでこのかたちで紹介します。
これは、ディーリアスが全盲となったのち、
口述筆記で作曲をした、その共同作業者、
フェンビーの指揮が中心の、Unicorn-Kanchanaからかつて
リリースされていた7枚の「Delius Collection」 のBOX化です。
このレーベルはすでになく、長らく入手不可だったものを、
Heritage　が出してくれました。


さて、そろそろそれぞれの感想など。
ビーチャムはどうやらディーリアスを印象派風にとらえ、
かつての印象派演奏の手法を援用しているように感じます。
おそらく、現代音楽としてのディーリアスを紹介したかったのでしょう。
それが、長らく受け継がれているように思いました。
それがEMIのBOXです。

対して、ヤナーチェクの権威としても知られるマッケラス、
彼は、声楽作品でより違った視点を持っているように感じます。
言葉というものはとても生命力がある。
それはヤナーチェクの生命力の根源ですが、
声楽作品に名作の多いディーリアスでもどこかその
生命力を発揮しているような気がします。
はたしてこれが、この先のディーリアス演奏にどう影響するか、
ちょっと注目してみたいところです。

そしてフェンビー。彼はあくまで作曲家であって、
職業指揮者ではありません。
そのためなのか、印象派風の雰囲気はあまり出しません。
そのかわり、霧が晴れたように、作品の骨格がはっきりと
姿を現すんです。これはびっくりしました。
ディーリアスの作曲手法は基本的には変奏技法です。
「アパラチア」や「ブリッグの定期市」のように、
はっきりした変奏曲形式を使っているものはもちろん、
たえず前段の変奏が連続して結果的に構造的に堅固なものに
なっているんです。これはフェンビーの指揮で初めて気が付きました。
まあ時代もあるかもしれません。80年代になると、かつてのように
印象派の作品だから、と、輪郭をぼやかすほうがよい、というような
風潮はなくなってきていました。
だから、フェンビーがどこまで意図的だったかはわかりません。
でも、結果として、ディーリアスが堅固な形式感覚によって
作曲をしていたということをまざまざとみせつける。
面白いと思います。

さて、ディーリアスのBOXがこれだけでても、まだまだ
初期オペラをはじめ(BBCとArabesqueに音源はあるんです！)、
出ていない作品がたくさんあります。
Stoneはディーリアスの歌曲の集成を進めています。
まだまだ未知の作品、演奏を楽しめそうですね。